Verlengd >03 2026 | Grote Kunst in fotografie

Symboliek, esoterisme, occultisme (1860-1918) Fotografie in de Art Nouveau-periode

Een tentoonstelling tot stand gekomen in samenwerking met Maison Hannon.

Fotografie ging nooit alleen maar over het vastleggen van de werkelijkheid. Van alchemie tot AI, het heeft altijd verborgen krachten onthuld en chemie, mysterie en verbeelding samengebracht. De tentoonstelling belicht fotografie op het moment dat het zich als kunstwerk profileert.

In de negentiende eeuw werkten de eerste fotografen in donkere kamers als moderne alchemisten, waarbij ze licht en zilverzouten omzetten in blijvende beelden. Hun chemische 'transmutaties' gaven de fotografie een magische uitstraling en verwezenlijkten symbolisch de droom van de alchemist: de tijd bevriezen en een vluchtig moment voor altijd vastleggen. Het bestuderen van vroege fotografie betekent daarom niet alleen inzicht in de evolutie van de chemische en technische processen, maar ook in die van de beeldtaal en de onderwerpen.

Aan het begin van de negentiende en twintigste eeuw inspireerde de symbolistische beweging – geworteld in de literatuur – fotografen die de verbeeldingskracht, gevoeligheid en allegorische aantrekkingskracht ervan omarmden om een ​​nieuwe artistieke taal te ontwikkelen. Deze periode markeerde een cruciaal moment in de geschiedenis van de fotografie: de fotografie verliet geleidelijk het domein van de documentatie en vestigde zich als een ware kunstvorm. Het doel was niet langer de realiteit weer te geven, maar een zintuiglijke ervaring te creëren waarbij het beeld een medium werd dat in staat was emotie en het onzichtbare uit te drukken. Licht, onscherpte, scherptediepte, contrast en compositie werden instrumenten van een poëtische en spirituele zoektocht. Via deze elementen probeerden symbolistische fotografen het onzichtbare vast te leggen, de mysteries van de wereld te vertalen met behulp van alchemistische, mythologische, bijbelse en esoterische beelden.

Binnen deze visuele revolutie komt de vrouw naar voren als een centraal symbool . Lang een object van contemplatie – tegelijkertijd vergoddelijkt, geïdealiseerd en afgebeeld als een figuur van deugd of verleiding – belichaamde zij de archetypen van mysterie en openbaring. Geleidelijk aan vond er echter een verschuiving in blik plaats: de vrouw hield op een passieve muze te zijn en werd een subject op zich, die zelf koos hoe ze zichzelf wilde representeren en daarmee onze perceptie van vrouwelijkheid ter discussie stelde. Uiteindelijk manifesteerde ze zich als schepper , een actieve deelnemer aan de productie van beelden en aan de constructie van de fotografische visie.

De tentoonstelling belicht deze baanbrekende vrouwen die zowel de taal als de blik van de fotografie hebben veranderd. Julia Margaret Cameron (actief 1864-1879) en Frances Benjamin Johnston (jaren 1890-1920) daagden conventionele representaties van vrouwelijkheid uit. Cameron combineerde pictorialistische zachtheid met prerafaëlitische symboliek en verhief haar modellen tot de status van sibyllen en visionaire heiligen; Johnston, een vertegenwoordigster van de Amerikaanse Nieuwe Vrouw , fotografeerde studenten, atleten en hervormers en bevestigde hun intellectuele en professionele autonomie. Gertrude Käsebier en Anne Brigman zetten dit pad voort en doordrenkten hun werk met theosofische ideeën, waarbij ze spirituele zoektochten combineerden met zelfbevestiging.

In hun handen werd het lichtgevoelige oppervlak een experimentele ruimte , waar vrouwelijke rollen, lichamen en machtsverhoudingen opnieuw werden gedefinieerd in dialoog met licht en materie. Van het geïdealiseerde lichaam naar de bewuste blik, van model naar kunstenaar: deze verschuiving beïnvloedde diepgaand de manier waarop zowel vrouwen als mannen de vrouwelijke figuur in de fotografie benaderden.

Verschillende werken in de tentoonstelling weerspiegelen de rijkdom van deze symbolistische geest, waaronder zeldzame autochromes van de Belgische pictorialist Alfonse Van Besten (1865-1926). Deze dia's, gemaakt kort na de introductie van het Lumière-kleurenprocédé in 1907, doen met hun fluweelachtige tinten, pointillistische korrel en zachte, diffuse licht denken aan glas-in-loodramen en nodigen de kijker uit om na te denken over de grens waar materie oplost in visie.

De tentoonstelling, georganiseerd in samenwerking met Maison Hanon, brengt werken en reproducties samen uit de collecties van het Museum voor Fotografie in Charleroi, het Museum voor Waals Leven, het Museum voor Mijnbouw en Duurzame Ontwikkeling in Bois-du-Luc, de TinyGallery in Brussel, het Museum voor Metallurgie en Industrie in Luik, het Archief en Museum voor Literatuur in Brussel en de Algemene Erfgoedafdeling van de Federatie Wallonië-Brussel. Alle afdrukken zijn in de TinyGallery gemaakt met behulp van historische processen – gezouten papier, gom-bichromaat en Van Dyke – als respectvolle herinterpretaties van de originele werken.